SE POTESSI AVERE...

LP 180gr. su Top Clear Vinyl + FILE HD "...Se potessi avere" è un affettuoso ed accorato omaggio alla grande canzone leggera italiana degli anni '30 e '40 e, in definitiva, a quell'epoca, pur tanto tormentata e sofferta, ma ancora pregna di positività, sguardo verso il futuro e valori che forse oggi un po' si sono perduti (per non parlare della "qualità" delle canzoni leggere italiane di oggi...). Desidero sottolineare che si tratta di un omaggio e non, come negli ultimi anni è spesso capitato di riscontrare in operazioni analoghe, di una caricatura o di una rilettura in chiave più o meno ironica, più o meno contaminata. Fin dalla realizzazione degli arrangiamenti si è optato per una scelta strumentale rigorosamente filologica rispettando l'organico tipico delle compagini orchestrali dell'epoca (vedi ad esempio le orchestre dirette da Cinico Angelini); per proseguire poi con le scelte squisitamente interpretative dei due cantanti solisti (Luca Merlini e Giuliana Beberi), che hanno dedicato lunghi mesi allo studio dei grandi protagonisti dell'epoca e del loro stile, non tanto per "copiarlo", ma per farlo proprio. E lo straordinario risultato alla fine è lì, evidente: non viene imitato nessuno dei cantanti dell'epoca, ma Luca e Giuliana sembrano provenire direttamente da quegli anni. Un ulteriore motivo di interesse, testimone dello sforzo d'amore compiuto, è la realizzazione di tre nuovi brani, composti nello stile dell'epoca, dai tre arrangiatori di tutto il progetto, che sono i maestri Stefano Caniato, Fabrizio Castania e Patrik Trentini (quest'ultimo anche direttore dell'orchestra, sul podio). "...Se potessi avere" (English version) is an affectionate and heartfelt tribute to the great Italian light song of the 30s and 40s and, ultimately, at that time, although so tormented and suffering, but still full of positivity, looking towards the future and values that perhaps today a little lost (not to mention the "quality" of today’s Italian songs...). I wish to stress that this is a tribute and not, as has often happened in recent years in similar operations, a caricature or a reinterpretation in more or less ironic, more or less contaminated key. 96kHz / 24bit / 24 tracks original recording made at Magister Recording Area, preganziol (Italy), April, 8,9, 2004 Real time analog remix and remastering made at VLS Studio, Naquera (Espana), March 23, 2024 / Workflow: REMIX: 96/24 DAW player: MAGIX SEQUOIA 96kHz / 24bit / 24 tracks DA: LYNX AURORA "n" analog mix: RUPERT NEVE DESIGN 5059 + NEVE 8816 REMASTERING: compressor: MASELEC MLA-2 eq: MASELEC MEA-2 limiter: MASELEC MPL-2 RTR: STUDER A810 ---> analog master 88.2kHz / 24bit AD: PRISM SOUND AD2 DREAM ---> HD digital master Stefano Caniato plays BORGATO L 282 Concert Grandpiano, tuned by Luigi Borgato Production: Marco Lincetto (Velut Luna) Recording, remix and remastering: Marco Lincetto Design and layout: Studio L'Image

IL CANTANTE AL MICROFONO - Eugenio Finardi | 45rpm - Double Vinyl

IL CANTANTE AL MICROFONO - 2025 - VYNIL EUGENIO FINARDI Doppio Vinile 45 rpm Deluxe Limited Edition + File Master HD (EDIZIONE LIMITATA NUMERATA 300pz) Ritorna in una nuova e definitiva, spettacolare, edizione in doppio vinile a 45 rpm uno dei grandi capolavori della musica italiana degli ultimi anni, in tiratura limitata a 300 copie, ciascuna con numerazione progressiva. Il progetto discografico Il Cantante Al Microfono getta un ponte tra la canzone d'autore e la musica classica contemporanea partendo dal grande attore, poeta e cantautore russo Vysotsky, tragicamente scomparso nel 1980, che capì e cantò l'anima vera del suo popolo e perciò fu duramente osteggiato dal regime sovietico. La sua musica accompagna con intriganti melodie, ora dal sapore balcanico, ora dai toni orientaleggianti, ora ricalcando antichi tempi di valzer, i testi acutissimi e graffianti. Dal corpus delle sue oltre 500 canzoni Eugenio Finardi e Filippo Del Corno hanno scelto una decina di titoli fortemente rappresentativi della tensione etica, spirituale, politica e dell'ironia corrosiva che anima il lavoro di Vysotsky. Le canzoni, già tradotte in italiano da Sergio Secondiano Sacchi, sono state orchestrate per l'ensemble strumentale Sentieri Selvaggi dallo stesso Del Corno, in una versione che mette in luce l'altissima qualità poetica e musicale dei versi di Vysotsky e permette il pieno dispiegamento della straordinaria potenza interpretativa di Eugenio Finardi. E' infatti diverso tempo che Finardi affianca alla sua attività di protagonista del rock d'autore italiano un approfondito e rigoroso lavoro di ricerca vocale, che lascerà stupiti chi non conosce il percorso che l'ha portato dal fado, al suo amato blues, fino alla classica contemporanea. Raffinatissima la grafica curata dallo Studio Convertino. Un progetto insomma che si sposa in modo perfetto con la linea produttiva che da sempre Velut Luna propone: originalità in proposte artisticamente e tecnicamente della massima qualità. Eugenio Finardi voce Sentieri selvaggi : Paola Fre flauto Mirco Ghirardini clarinetto Paolo Pasqualin vibrafono Andrea Rebaudengo pianoforte Piercarlo Sacco violino Paola Perardi violoncello Carlo Boccadoro direzione Sergio Secondiano Sacchi traduzione italiana Filippo Del Corno orchestrazione Live-In-Studio Analog Recording, mix and original mastering made at Magister Recording Area studio, Preganziol, Italy on December, 18 - 22, 2007 Analog re-mastering made at VLS Studio, Naquera, Spain, on November, 4, 2024 ANALOG RECORDING: RTR Soundcraft Saturn 24 tracks / 2" tape at 76cm/sec recording speed ANALOG MIX & MASTERING: RTR Studer A820, 2 tracks, using 1/4" tape at 38 cm/sec recording speed ANALOG RE-MASTERING: Maselec Analog Mastering Suite (MLA-2 / MEA-2 / MPL-2) to RTR Studer A810

30 ANNI FUORI TEMPO - AUDIOPHILE VINYL

30 ANNI FUORI TEMPO AUDIOPHILE VINYL - LIMITED EDITION CON FILE MASTER HD THE METRONOMES: Francesco Michielin, voice, kazoo, chorus, "vocal trumpet" Carlo Piccoli, piano, chorus Stefano Fedato, drums, chorus in consegna Ora è un negozio di abiti da sposa, ma nel lontano 1994 la musica ruggiva nel mitico Bar Dolomiti di Conegliano. Francesco Michielin, Carlo Piccoli e Stefano Fedato ancora non sapevano che per i successivi sei (sei!) lustri avrebbero calcato le scene del panorama musicale italiano sotto l’intramontabile nome di Metronomes. Chi, quella sera di trent’anni fa, ha avuto il privilegio di assistere alla nascita del loro trio può vantarsi di essere stato testimone di un evento d’inestimabile rarità e importanza, pari forse solo alla scoperta dell’America o al passaggio della cometa Hale-Bopp. E infatti mi vanto, mi vanto eccome. E, mentre mi vanto, inserisco nel mio vecchio lettore CD il loro nuovo album: “Trent’anni fuori tempo”. Dopo tredici anni dall’uscita del mirabile “Adamo, Let’s Swing!”, i Metronomes tornano con questa bella antologia della loro produzione discografica a partire dal 1997 fino ai tempi più recenti. Poi, con l’inserimento di quattro pezzi nuovi, il disco acquista nuova linfa e ci mostra come questi eterni ragazzi siano bene o male rimasti uguali a quelli che, trent’anni fa, si riunirono al Bar Dolomiti. Di loro si è detto e si è scritto di tutto. La storia delle loro spettacolari performance live si muove sul filo teso che separa la realtà dalla vera e propria leggenda. Si dice, per esempio, che il cantante, sontuoso vocalist dall’ugola catramata matto come un cavallo – l’ho visto qualche settimana fa travestirsi con parruccone e occhialoni scimmiottando Elvis – in realtà sia un precisino maniaco dell’ordine. Dicono che tenga tutti i testi delle canzoni, da lui stesso vergati a mano, in dieci enormi volumi che si porta dietro alle serate. Lo hanno visto anche montare un complicatissimo aggeggio dal nome “portaspritz” senza il quale non affronta il concerto. Raccontano poi che il batterista, una volta, suonando As Time Goes By, abbia impresso una tale velocità al ritmo swing da far fumare le bacchette (per fortuna l’Oste aveva l’estintore e alle spalle un’approfondita formazione in materia di sicurezza nel caso di incendio). Per lui questi anni non sembrano essere passati, dimostra sempre trent’anni, ha tutti i capelli e neanche uno bianco (gli altri due metronomi invidiosi dicono che se li tinge), ma soprattutto mentre suona a ritmi indiavolati sorride e si diverte come un bambino. Anche il pianista, che usa la mano sinistra come un contrabbasso, è un tipo strano. Qualcuno racconta che suoni esclusivamente mosso dal proprio orecchio (un orecchio solo che muove dieci dita? Ma che prodigio è mai questo?). Non prova né studia i pezzi, ma se gli chiedi una canzone, lui la sa riprodurre con la precisione di un jukebox. E mentre suona batte i piedi e ondeggia sempre fuori tempo: resta un mistero come la canzone vada a tempo mentre lui segue chissà quale altro ritmo interno. Dal 20 aprile 1994 ne sono passati di ettolitri di vino rosso nell’ugola catramata del cantante Francesco, e di tasti bianchi e neri sotto le dita di Carlo, e di calli e bacchette tra le mani di Stefano. Eppure, la leggenda dei Metronomes continua a stupirci, a farci ridere e battere il piedino sotto il tavolo. Franco Ceci Colpis

Trátame bien

AUDIOPHILE VINYL - LIMITED EDITION "Trátame bien" è un disco che cattura la miscela di emozioni, con cui ho voluto esplorare le complessità delle relazioni umane, con gli altri e con noi stessi. Ogni argomento riflette un senso di vulnerabilità, il bisogno di essere compresi e rispettati. Con un suono fresco e autentico, il disco gioca con vari generi, fondendo trame sonore moderne con testi che affrontano temi di amore, disamore e autoaccettazione. "Trátame bien" è un grido sull'importanza del rispetto. Vi invita a riflettere su come ci relazioniamo con gli altri ma soprattutto su come ci relazioniamo con noi stessi. Con parole sincere e dirette nasce questo atto di implementazione personale in cui l'autocomprensione e il rispetto per se stessi diventa la priorità. È anche una chiamata a rompere con gli standard di bellezza imposti dalla società, un promemoria per abbracciare la nostra autenticità. Yolanda Gómez Carreño

THE SONGS OF BURT BACHARACH - Antonella Vitale Quartet and Friends

THE SONGS OF BURT BACHARACH Antonella Vitale Quartet and Friends Available for sale: LP (Crystal Vinyl 180 gr. - Direct Metal Mastering - One Step) All compositions by Burt Bacharach / Hal David except for “Tra la sabbia e il mare aperto” by Antonella vitale All arrangements by Andrea Beneventano and Antonella Vitale Antonella Vitale Quartet Antonella Vitale, voice Andrea Beneventano, piano Francesco Puglisi, doublebass Alessandro Marzi, drums and percussions Featuring special guests: Gerry Popolo, saxophones and flute Aldo Bassi, flugelhorn Enrico Bracco, guitar 88.2kHz / 24bit original recording made at Magister Recording Area, Preganziol (Italy) on August, 27, 28, 29, 2007 and January, 3, 4, 5, 2008 Analog remix and remastering made at VLS Studio, Naquera (Spain) on May, 7, 2026 Marco Lincetto, producer Marco Lincetto and Stefano Isola, recording engineer Stefano Isola, editing engineer Marco Lincetto, mix and mastering engineer Marco Lincetto, cover photo L’Image, design and layout DMM and PET: La soluzione perfetta per i migliori vinili di sempre Direct Metal Mastering (DMM): L'audio viene inciso direttamente nel metallo (rame) utilizzando un sistema portante ad alta frequenza e speciali perni diamantati, vibranti a più di 40 kHz, per facilitare l'incisione (Father/Positive -> Galvanic/Negative Stamper -> Final Vinyl) Ciò consente una maggiore precisione nei solchi prodotti, con conseguente miglioramento dell'emissione sonora (in particolare con riduzione del rumore di fondo e maggiore risposta alle alte frequenze). Vantaggi effettivi dell'utilizzo di PET, polietilene tereftalato, nella stampa audiovinilica Centratura perfetta (eccentricità) verticale e orizzontale, garantisce una notevole riduzione del wow & amp; flutter durante la riproduzione. La superficie scanalata è ultra liscia, con conseguente rumore di fondo molto basso, che garantisce una dinamica più efficace, con una risposta transitoria molto migliore. Garantisce una minore deformazione della scanalatura durante il contatto con lo stilo, con conseguente maggiore durata nel tempo e maggiore estensione e stabilità delle alte frequenze. L'insensibilità all'elettricità statica significa che è molto meno sensibile all'accumulo di polvere e ai rumori estemporanei impulsivi (tic-tac) Lo stampaggio a iniezione, d'altro canto, è molto più preciso e quindi provoca una minore distorsione delle scanalature, quindi un'immagine stereofonica più stabile, una maggiore ampiezza, profondità e profondità spaziale. Note Antonella Vitale, jazz singer, ma anche sensibile autrice e musicista. Insieme ad una serie di valentissimi musicisti del panorama jazzistico italiano, quali Andrea Beneventano al pianoforte, Francesco Puglisi al contrabbasso, Alessandro Marzi alla batteria, Gerry Popolo ai sassofoni e al flauto, Aldo Bassi al flicorno e alla tromba ed Enrico Bracco alla chitarra, propone una nuova ed assolutamente originale rilettura di alcune delle più note canzoni di Burt Bacharach. Da “Walk on by” a “What the world needs now”, da “The look of love” a “I’ll never fall in love again”, da “Raindrops keep faling on my head” a… molte altre e in chiusura del disco sul lato A, una composizione originale di Antonella stessa. Il disco è stato registrato come di consueto nel grande studio AreaMagister Studio di Preganziol, utilizzando tecnologia digitale ad alta risoluzione in standard 24bit / 88.2kHz, ma soprattutto utilizzando le straordinarie macchine analogiche presenti in studio. E che dire del pianoforte, il nobile Steinway & Sons D274 Concert Grand, nato a New York nel 1930 ed oggi, perfettamente restaurato. Alla console due tecnici i cui nomi sono noti agli appassionati: Marco Lincetto, con ospite d’eccezione Stefano Isola. Suoni morbidi e dettagliati, dinamica di altissimo profilo, una voce bellissima ed ammaliante: un altro diamante purissimo delle Ladies di Velut Luna.

GERSHWIN - Hallo Mr. Sax | Saxophone Orchestra

GEORGE GERSHWIN - Hallo Mr. Sax, saxophone orchestra Disponibile in: LP HALLO MR. SAX Tiziano Rossi, sopranino sax Stefano Menato, Emiliano Rodriguez, soprano sax Mario Giovannelli, Roberto Favaro, Enrico Dellantonio, alto sax Stefano Marzi, Elena Ducoli, Barbara Morelli, tenor sax Alessandro Creola, Pierluigi Alessandrini, baritone sax Giorgio Beberi, bass sax Mario Marzi, conductor Paolo Zannini, grandpiano 96kHz / 24bit original multitrack digital recording, made at Public Auditorium, Chiuppano, Italy On April, 26, 27, 2003 Analog remix from original multitracks recording, made at VLS Studio, Naquera, Spain On October, 10, 2025, using full analog equipment by Rupert Neve Design summing console and Maselec analog mastering devices, direct to ¼” Master Tape 38cm/sec by Studer A810 Production: Marco Lincetto Musical Producers: Hallo Mr. Sax and Marco Lincetto Recording Engineer: Marco Lincetto Assistant engineer: Giorgio Bruni Re-mix and re-mastering engineer: Marco Lincetto Design: L’Image Spesso il pubblico associa il sassofono ai generi musicali più moderni, dal jazz alla musica pop, e non a torto. Ma in realtà è uno strumento che è stato utilizzato con grande profitto anche in ambito cosiddetto “classico”, a partire già dalla fine del ‘800 e per tutto il ‘900 e fino ad oggi, soprattutto nell’ambito di grandi opere orchestrali, ma anche nella musica cosiddetta da camera. Compositori fondamentali come Stravinsky, Ravel, Milhaud e molti altri hanno saputo cogliere le molte sfaccettature del suono di questo strumento che fa parte della famiglia degli ottoni, valorizzandone sia l’amalgama sonoro, quando schierato in ensemble, sia la verve solistica precipua. L’orchestra Hallo Mr. Sax è una delle formazioni più originali oggi in attività: è composta da 14 straordinari solisti (12 sax e 2 percussioni) riuniti in questo particolarissimo organico, che sa sfruttare al meglio tutta la vasta gamma di sassofoni esistenti con 1 sopranino, 2 soprani, 3 contralti, 3 tenori, 2 baritoni e 1 basso. Le varie voci, quindi, dai toni più acuti a quelli più profondi riescono a trasformare un organico apparentemente ridotto, nelle dimensioni e nella varietà di colori, che non fanno rimpiangere le dimensioni della grande orchestra sinfonica, tuttavia suggerendo umori e colori precipui e unici. La musica del grande George Gershwin, infine, perfetto punto di incontro fra gli stilemi della cosiddetta musica classica e i suggerimenti e gli spunti della tradizione popolare americana del jazz e del blues, esalta al massimo livello la potenza e l’emozione del risultato.

BLUES - 30° ANNIVERSARY

BLUES - 30° ANNIVERSARY (CVLD395) Autore: AA.VV. Esecutore: AA.VV. Disponibile nei supporti: LP 1/4" Master Analogico realizzato nello studio VLS di Naquera (Spagna), partendo dalle registrazioni originali sia analogiche che digitali, queste ultime realizzate in alta risoluzione nativa, PCM wav 88.2kHz / 24bit Produzione: VELUT LUNA Produttore esecutivo: Marco Lincetto Ingegnere del suono in registrazione: Marco Lincetto Missaggio e masterizzazione: Marco Lincetto Fotografia interno: Marco Lincetto Impostazione grafica: Maurizio Ciato per Studio L'Image Era il primo di luglio del 2009. Decidemmo di muoverci da Memphis sul presto, otto, otto e mezza della mattina; perché da quelle parti, in quel periodo, il caldo ti uccide. Umido, tanto che come esci in strada sei già bagnato di sudore, anche se è mattina presto. La prima tappa era relativamente vicina, Clarcksdale, la capitale morale del Delta del Mississippi, la capitale morale del Blues. Centoventicinque chilometri tutti lungo la leggendaria Highway 61: sì, quella che ha cantato anche Bob Dylan, anche se lui la intendeva in direzione inversa rispetto a noi, da sud a nord. Sull’asfalto davanti al nostro pulmino Ford bianco, la strada, già arroventata dal sole, ci faceva apparire immagini immaginarie, miraggi di riflesso, all’orizzonte. E insieme a noi c’era il nulla, nessuno, solo campi arsi a destra e a sinistra. Verso le dieci e mezza vediamo finalmente la freccia che indica la deviazione per Clarcksdale, e la imbocchiamo. La cittadina pare deserta, le strade si distendono desolate in mezzo a filari di casette di legno decisamente male in arnese, con il variegato popolo afro-americano già sfiancato all’ombra risicata di porticati fatiscenti che avevano certamente visto tempi migliori. E la mia sensazione è strana, imperscrutabile, ancorchè decisamente inquieta, forse anche per via di quegli sguardi non minacciosi, ma piuttosto stupiti, che guardavano quel corpo decisamente anomalo che eravamo io e i miei sei amici dentro a quel pulmino bianco Ford, troppo lindo, moderno e intonso, che decisamente stonava in quel contesto. Dopo un po’ le casette finiscono e ci ritroviamo per così dire “in centro”: palazzine di quattro o cinque piani, pure queste un po’ decrepite, che si allungano all’interno di pochi blocks, squadrati. E senza un albero, così che il sole ha mano libera per far piazza pulita dei pochi sentimenti rimasti. Giriamo a destra, ancora a destra, poi a sinistra: ed appare la John Lee Hooker Lane: è la strada, breve, che porta al Delta Blues Museum, il tempio del Blues. Ora, noi europei siamo abituati ad un concetto di “museo”, che prevede austeri palazzi monumentali, tirati a lucido, con controlli armati per l’accesso, telecamere e tutto il campionario del controllo… Lì, niente di tutto questo. Una palazzina di mattoni rossi, bassa, discretamente manutenuta, costruita a fianco di una vecchia linea ferroviaria abbandonata, con i binari arruginiti, e con una tettoia con sotto la scritta “Delta Blues Museum”, pure lei arruginita. Nei musi ti aspetti un tranquillo movimento di avventori, attenti e discreti, con magari la classica scolaresca gioiosa e un po’ rumorosa: lì, ancora, niente di tutto ciò. Deserto. Nessuno. Solo noi. L’esposizione era tutta articolata all’interno di un percorso dentro ad un unico grande salone, dal soffitto non così alto come ti aspetteresti. E quello che era esposto erano memorabilia comuni: qualche strumento “appartenuto a”, qualche ninnolo, tantissime fotografie, storiche e non, molto belle, devo dire. E poco altro. Il giro si conclude rapidamente, ma l’inquietudine di prima, anziché placarsi, aumenta. C’è QUALCOSA che non riesco a focalizzare. Ad un certo punto, sento il suono cadenzato di una batteria, tipo qualcuno che sta provando qualche passaggio. Viene dalla zona dell’ingresso, ma lontano, dal basso, forse da qualche oscura cantina. Non scoprirò mai chi e dove era. A quel punto però mi accorgo di un vecchio, ma proprio vecchio, afro-americano, seduto dietro al banco di quello che sembra un bar; sta leggendo, distrattamente, un giornale sgualcito, mentre assapora una mefitica sigaretta, dall’odore, il puzzo, decisamente forte per uno come me, che non fuma. Mi viene immediato e naturale, dal profondo, la voglia, la necessità, di fargli una domanda, che mi ronza dentro da tanti anni, relativa ad una delle più famose leggende del blues, che racconta di come un bel giorno alla fine degli anni ’20 del ‘900, Robert Johnson, che era un povero raccoglitore di cotone senza arte né parte, nella campagna vicino a Clarcksdale incontrò il Diavolo – sì, proprio quello lì – che gli propose un patto: lui, il Diavolo, gli avrebbe garantito il successo in cambio della sua anima. E Johnson accettò. E il resto della storia è noto. Bhè, ecco allora che mi viene la domanda e aprendo bocca con fare incerto, chiedo al vecchio: “Mi sai dire dov’è il Crocicchio del Diavolo e di Robert Johnson?” Il vecchio non batte ciglio… ma lo alza, impercettibilmente, mentre contemporaneamente abbassa il giornale, squadrandomi, in silenzio. Un silenzio durato qualche eterno secondo, in cui in realtà il tempo si era fermato. Poi, socchiudendo le labbra bagnate dal sudore e arse dal fumo, mi disse: “Ehi guy… It’s Everywhere…!” E in quel momento, per la prima volta nella mia vita, compresi cosa significava la parola “Blues”. E il senso di inquietudine, scomparve nel pericoloso ghigno che comparve sul volto imperturbabile del vecchio. I musicisti ed io siamo persone fortunate, per aver ricevuto il privilegio di vivere queste emozioni difficilissime da raccontare a parole, ma che spero possano essere almeno un po' veicolate dalle tracce sonore rimaste nei solchi dei dischi. Per sempre. Grazie a Tutti, Marco Lincetto Dedico questo progetto a quel vecchio Afro-American col giornale, che mi ha fatto finalmente capire cos’è il BLUES.

ORCHESTRA - 30° ANNIVERSARY

ORCHESTRA - 30° ANNIVERSARY (CVLD396) Autore: AA.VV. Esecutore: AA.VV. Disponibile nei supporti: LP 38 cm/sec, ¼” Analog Master made at VLS Studio, Naquera (Spain), on May 2025, starting from PCM wav 88.2kHz / 24bit original digital master recordings made at several different locations in Italy, from September 2000 to June 2016 Production: Marco Lincetto for VELUT LUNA Executive producer: Marco Lincetto Recording engineer: Marco Lincetto (Matteo Costa on tracks 1 & 3, Side A) Mix and mastering engineer: Marco Lincetto Inside photo: Marco Lincetto Design and layout: Studio L'Image Si fa presto a dire Musica Classica… Oggi più che mai le persone hanno un’autentica ansia derivante dalla necessità di catalogare le cose, le azioni, i pensieri in modo chiaro e univoco. Una volta un celebre negoziante specializzato nella vendita dei dischi mi disse che lui deve sapere subito e senza esitazioni a che genere appartiene ogni disco che vende, perché banalmente deve sapere su che scaffale metterlo… perché il pubblico deve sapere cosa sta comprando. Non è un caso se ho sottolineato il verbo “deve”; e perdonatemi se scatta inevitabile la mia azione di pensiero critico, ma… perché “deve” sapere? Perché forse la facoltà di pensare con la propria testa, di creare autonomamente le categorie della conoscenza è ormai diventato un atto troppo rivoluzionario per una società occidentale moderna ormai schiava delle regole del controllo a tutti i costi, dell’indirizzamento moralistico del essere umano da parte di un potere vessatorio e sempre più teso al dominio dei sudditi, piuttosto che al servizio dei cittadini. E in questo contesto ecco che non si può lasciare nulla al caso, meno che meno la capacità di pensare in autonomia nell’ambito di contenuti “pericolosamente” culturali, come è appunto anche la Musica. La definizione “musica classica” è stata quindi associata a tutta una serie di stilemi convenzionali, tipicamente referentisi alla musica del passato che ci è stata tramandata come “classica” dai soliti dotti e sapienti del tempio. Ma in realtà, ad esempio e dal mio punto di vista, “classica” si può intendere quella musica che trae ispirazione, non dimentica, da quelle pagine composte nel corso della storia dell’Umanità che hanno in sé il senso dell’assoluto, ovvero rientrano in categorie assolute di valore e bellezza, che sanno trascendere e superare il corso del tempo. Ecco quindi che il percorso di questo disco vuole proporre un vero e proprio concept riassuntivo di questi concetti appena espressi. E quindi troverete un LATO A che presenta alcune delle pagine più celebri e celebrate di quella musica classica della tradizione che a buon diritto si è fissata come definitiva, superando ed esorcizzando il possibile oblio del tempo. Mentre nel LATO B troverete una selezione significativa di musica scritta nel ‘900, ovvero il “secolo di mezzo”, che ha saputo cogliere la sintesi del passato, mescolandone le radici native con le influenze più differenti dai vari mondi culturali che appunto nel ventesimo secolo, forse per la prima volta, hanno saputo abbattere le barriere geografiche, senza dimenticare la lezione del passato. Senza dubbio quindi, un po’ provocatoriamente ma non troppo, non ho voluto intitolare con il termine “Classica” (dopo “Jazz” e “Blues”) questa terza raccolta del trentesimo anniversario di Velut Luna, ma più semplicemente “ORCHESTRA” una parola che va a specificare, volutamente, solo l’organico utilizzato per suonare questa musica. E così fu, così è e così sarà. Dedico questo disco a mio papà, Adriano Lincetto. Marco Lincetto